EXPOSITION LOS ANGELES 1955-1985 - NAISSANCE D'UNE CAPITALE AU CENTRE POMPIDOU Trente ans de vie artistique

Commencée au mois de mars et visible jusqu'en juillet 2006, l'exposition 'Los Angeles 1955-1985' offre un vaste panorama de la scène artistique de la côte ouest de 1955 à 1985.

Des artistes méconnus en France

L'exposition s'ouvre sur une oeuvre du sculpteur minimaliste John Mac Cracken : 'Untitled', 1973, qui, d'entrée, donne le ton d'une exposition résolument ambitieuse. Si les oeuvres des premières salles de l'exposition paraissent un peu datées, anecdotiques dans l'histoire de l'art, elles sont néanmoins nécessaires dans l'approche et la compréhension du bouillonnement, de l'effervescence artistique qui agite Los Angeles dans ces années 1950, à l'époque des grands écrivains de la beat generation. Cependant, c'est avec une installation lumineuse de James Turrell et une peinture de Robert Irwin, datée de 1964-1965, que l'exposition commence vraiment.

Des oeuvres conceptuelles ?

Des artistes de la côte ouest des Etats-Unis, on connaît des noms, rarement des oeuvres. Ce n'est pas vrai des peintres Sam Francis, David Hockney ou Ed Ruscha, dont on peut voir la fameuse toile 'The Back of Hollywood', mais de John Baldessari par exemple. Né en 1931 à National City, en Californie, l'Américain cultive humour et démarche conceptuelle dans ses vidéos et photographies. Dans 'Teaching a Plant the Alphabet', 1972, il répète plusieurs fois chaque lettre de l'alphabet à une plante. Dans 'Making Art', 1971, Baldessari singe la figure de l'artiste et répète indéfiniment "Je fais de l'art, je fais de l'art…" en prenant des postures ridicules. Il y a dans ces films comme dans la série 'L'Arrière de tous les camions', 1963, de l'humour alors que la démarche est, si l'on peut dire, on ne peut plus conceptuelle et critique vis-à-vis de l'art et de son supposé élitisme. Baldessari sait rire, en commençant par lui-même. Et c'est bien l'humour qui régit cette exposition, l'humour qui est une forme en elle-même.

Lorsque l'on regroupe des artistes dans cette appellation "Artistes conceptuels", on se rend compte, à travers cette exposition, qu'il y a une très grande variété d'oeuvres, d'artistes et de contenus à l'oeuvre en général et que le mot conceptuel est insatisfaisant, tant il dit si peu sur la diversité des formes et de l'esprit de ces artistes. Quel rapprochement faire entre la 'Série des bouteilles de lait' de Joe Goode, 1961-1962, et les actions d'Allan Kaprow ? Qu'ont à voir les peintures Vija Celmins avec les performances de Chris Burden ? Quel rapport y a-t-il entre les performances de Mike Kelley et la démarche d'un Douglas Huebler ? Il y a des travaux qui méritent que l'on s'y plonge, intensément, tant la démarche et la réflexion sont intéressantes. Mais ils obligent à l'attention, nécessitent une très grande concentration si l'on veut comprendre les enjeux et les mécanismes de l'oeuvre, dévoiler ses codes et comprendre, véritablement. C'est le cas des 'Variable piece#70' de Douglas Huebler dont la forme est constituée d'une photo, d'une déclaration d'instructions à suivre et d'une carte de Paris. Cette oeuvre serait inintelligible si on la regardait d'un seul coup d'oeil ; elle devient passionnante lorsque l'on s'y penche. A observer la rigueur déductive de sa réflexion, on s'aperçoit en effet que ce travail est primordial dans l'histoire de l'art de ces trente ou quarante dernières années.

Une exposition accessible malgré ses grands airs

Néanmoins, l'exposition s'essouffle un peu après les 'Objets de performance', 1977-1979, de Mike Kelley. Si l'on imagine très bien avec quel humour l'artiste a pu réaliser ses performances inspirées du futurisme russe en reprenant des ustensiles du quotidien (balai à brosse ou d'aspirateur), la suite du parcours déçoit un peu, les oeuvres s'étiolent, perdent un peu de leur intérêt. C'est alors que l'on regrette qu'il n'y ait que deux peintures de la grande Vija Celmins ou seulement deux oeuvres (une installation et un film) de John Lamelas. Les oeuvres perdent en force et malgré à nouveau quelques demi-bonnes surprises (les dessins de Raymond Petitbon ou une installation très drôle, '100 bottes dans leur squat', d'Eleanor Antin, 1973), Los Angeles 1955-1985 laisse un peu sur sa faim par rapport aux trésors qu'elle laissait entrevoir. Il y a en effet de la frustration dans cet étiolement progressif de l'exposition. Tout juste on observe des orientations prises par des artistes de maintenant dont certains vont vers un engagement résolument politique (critique de la société de consommation avec Jim Shaw, Jeffrey Valence, Lari Puttman ou Steven Arnold) tandis que d'autres restent dans un style de peinture très graphique qui caractérise aussi l'art américain de la Côte Ouest.

Si la générosité des artistes américains de cette fin de XXe siècle est toujours aussi présente, il n'en reste pas moins que les propositions, visuellement et dans le contenu de leur engagement, ont un peu perdu de leur force comparées aux travaux d'Allan Kaprow ou d'un Chris Burden. L'exposition, néanmoins, a le mérite de faire la lumière sur une scène artistique très active depuis quarante ans mais dont les oeuvres restaient méconnues en France. Un avantage, qu'avec l'humour de ces artistes, on retiendra.