EXPOSITION SARGENT ET SOROLLA AU PETIT PALAIS De vie et de lumière

En proposant, jusqu’au 13 mai 2007, une lecture conjointe des oeuvres de John Singer Sargent et Joaquin Sorolla, le Petit Palais pose les jalons d'une nouvelle appréhension de l'oeuvre de ces deux grands peintres de la seconde moitié du XIXe siècle et offre un spectacle virtuose d'une peinture riche et complexe.

Le parallèle entre Singer et Sorolla est troublant. Au-delà de leur rencontre et de leur communauté de goût, l'histoire de l'art n'aura pas retenu dans les mêmes termes ces deux peintres pourtant unis par un même souffle. Si Sargent a bénéficié de nombreuses expositions au cours du XXe siècle, Sorolla a été, pour sa part, et malgré son immense popularité dans son Espagne natale, largement délaissé par les plus grandes institutions de l'art. Pourtant, et les correspondances aussi bien que les tensions entre ces deux peintres le révèlent, il s'agit bien là de deux regards singuliers sur une société en plein basculement. En fait, chacun à leur manière traduit ce mouvement, ce passage de la tradition à la modernité, des derniers relents de classicisme dans un monde déjà ouvert à de nouvelles perspectives, tant dans ses moeurs que dans son esthétique.

Deux parcours, deux visions

Les ailes majestueuses du Petit Palais présentent, en les baignant d'une douce lumière naturelle, les oeuvres de deux peintres touchants autant que touchés par le monde qui s'offre à leurs yeux. Car, depuis la végétation naturelle jusqu'aux pratiques sociales, les sujets abordés par les deux artistes étonnent par leur variété. Des intérieurs bourgeois côtoient des scènes de genre, des portraits se mêlent aux paysages ; l'exposition découvre la multitude des modèles représentés par les deux peintres et offre autant d'occasions de percevoir leur talent.

Les premières oeuvres de Sargent dévoilent des modes de vie du XIXe et préfigurent un certain décentrement du regard. D'emblée on s'étonne de cette composition éclatée, qui décale littéralement les personnages représentés hors du centre. Le tableau 'Robert Louis Stevenson', par exemple, relègue le sujet hors du cadre et détourne ainsi l'attention en tronquant une partie de son corps. Déjà donc, la composition et l'atmosphère empiètent sur la stricte représentation et imprime, d'une certaine manière, la marque de l'impressionnisme sur son oeuvre.
Cette même marque impressionniste, à l'oeuvre dans la peinture de Joaquin Sorolla, ne réunit pas pour autant immédiatement les deux peintres. C'est que, comme le précise Tomas Llorens, commissaire de l'exposition, l’exposition s’attache à représenter “deux trajectoires” qui, distantes au premier abord, se rejoignent progressivement, dans leur rapport contigu à la nature, en conservant pour elles leur singularité.

Joaquin Sorolla, peintre largement mésestimé est pourtant, lui aussi, un créateur d'une audace toute moderne. Sous son classicisme apparent sourde une véritable force, un mouvement vif qui laisse envisager un regard singulier. Dédiées aux activités sociales, ses premières grandes peintures mettent en scène des anonymes en plein travail. Si Sargent force l'oeil du spectateur au mouvement, l'entraînant d'un bord à l'autre du cadre, Sorolla, lui, emprisonne ce mouvement pour en rendre une dynamique immobile, tout entière contenue dans le seul tableau. En ce sens, les premières oeuvres des deux peintres apparaissent sous les traits d'un chiasme et disent deux perspectives radicalement opposées de l'effort de composition. Pour autant, cette contradiction n'est pas figée et leur réunion ne tarde pas à révéler une résonance commune au travers d'un troisième terme, la lumière.

Identité et différence, peindre la lumière

Quand Sargent restitue des atmosphères mondaines, Sorolla réalise des scènes de genre, des aventures sociales au sein d'une nature qui imprime sa marque sur les corps (vent, soleil, contact) dans une relative opposition aux premières oeuvres de Sargent, qui, elles, semblent presque confiner leurs sujets à l'abri de toute agitation naturelle, dans le calme intemporel de leurs appartements clos. Par là, Sorolla jouit d'un rapport privilégié avec le monde qu'il côtoie, organisant autant de points de ruptures, de jeux de réflexions qui se mêlent et s'entremêlent dans une réversibilité infinie.

Et, face à ses oeuvres, une multitude d'impressions vivaces assaillent le spectateur et évoquent d'innombrables rapprochements. C'est que Sorolla semble littéralement peindre dans la lumière, dans un "dehors" qui donne à ressentir cette luminosité, de sa douce présence à son implacable ardeur. Si l'on voulait rendre une image de sa peinture, on pourrait comparer sa démarche technique aux chambres photographiques, comme s'il absorbait toute la lumière et, à partir de cette réception, restituait les rapports de couleur, reconstruisait les formes au moyen de la simple luminosité afin d'en rendre la pleine réalité. Et cette impression n'est qu'accentuée par la série de compositions mettant en scène les bords de mer qui illustrent cette plénitude, cette invasion lyrique du soleil. Sorolla mêle en effet la nature aux personnages dans une ronde de couleurs, une valse des traits qui dessine des visages incroyablement modernes et décalés.

Dans un mouvement presque opposé, John Singer Sargent, lui, localise la lumière, l'identifie et, découvrant au fur et à mesure les sources lumineuses dans la pénombre des intérieurs bourgeois, la fait jaillir sporadiquement. Par là, le peintre dévoile une composition subtile, qui oblige à un examen minutieux pour en cerner la richesse. Tout devient alors prétexte à rehausser, à rendre cette lumière, chaque objet du cadre impose sa propre singularité en tant qu'élément participant d'un mouvement général, la lumière.
En ce sens, c'est presque un chiasme qui réunit d'abord ces deux peintres ; si Sorolla crée ce qu'il peut avec toute la lumière qui envahit ses toiles, Sargent fait, quant à lui, émerger cette lumière de tout ce qu'il peut.
Pour antithétiques qu'elles apparaissent, ces deux pratiques vont pourtant se rejoindre par la suite et ne plus sembler si incompatibles. C'est qu'un tel rapport à la lumière, quand bien même les démarches diffèrent, révèle une affection commune pour la couleur, pour le mariage des teintes entre elles et la cohérence générale de la composition.

Réunion

En effet, les deux artistes ne partagent pas seulement un rapport singulier à la lumière, plus encore ils nourrissent un même amour pour un grand peintre qui les influencera toute leur vie, Diego Velazquez ainsi qu'une même aspiration à promouvoir leur statut de peintres.
A l'instar d'Edouard Manet, dont une certaine idée du contraste n'est pas sans faire écho aux tableaux des deux peintres, Sargent et Sorolla se retrouvent dans leur admiration pour Velazquez, qui révèle la parenté de leurs regards. A ce titre, les portraits de groupe des deux artistes sont éloquents et constituent, pour chacun d'eux, un hommage appuyé aux fameuses ‘Ménines’ du maître. Comment en effet ne pas voir dans ces réunions de famille une richesse de composition faite de renvois, de centres de gravité multiples, qui appellent à un voyage du regard d'un bout à l'autre de la toile, où se joue en chaque endroit un microévénement nécessaire à sa trame dramatique ? Le style même des deux artistes se transforme dès lors que l'on pénètre ces sphères, le trait si précis de Sargent se laisse déborder par une touche impressionniste qui fait se déployer la couleur. Sorolla, lui, fait preuve de sa grande maîtrise et affine son trait en affirmant encore sa singularité. Autour du maître, les deux artistes modulent leur création et ouvrent à leur inspiration de nouvelles voies qui assoient leur talent.

Libéré de toute pression financière à ce moment précis de sa vie, Joaquin Sorolla expérimente d'audacieux cadrages et ouvre une brèche dans la peinture traditionnelle. Comme en mouvement, ces oeuvres pourtant plus simples que ses peintures antérieures confirment la modernité de son regard, qui sait trop bien que l'on ne peut capter la réalité qu'en respectant sa dynamique, son aspect mouvant, loin de sa mise en scène codifiée. Sargent, quant à lui, fait montre de sa virtuosité et se permet, au travers de travaux d'apparence plus traditionnelle, par touches fugaces, des fantaisies élaborées. Il n'est qu'à voir son ‘Portrait de Lady Agnew de Lochnaw’ qui installe son sujet au milieu de broderies parsemées de touches colorées du plus bel effet. Ses tableaux, réalisés dans le cadre professionnel, traduisent toute la palette de sentiments humains avec une grande justesse et l’on est rapidement subjugué par la virtuosité du maître. Ses peintures réalisées pour le plaisir, à l'aquarelle, sont totalement déconcertantes, festivals de couleurs vives, elles laissent deviner une grande liberté de l’artiste, sorte d’exaltation d'un rapport extasié devant la nature.

La réunion finale des deux peintres dans leurs oeuvres tardives constitue le point d'orgue de cette magnifique exposition. La peinture de Sorolla révèle une versatilité immense : les formes s'emmêlent ou se font plus soignées dans un festival de couleurs et de motifs hypnotisant. Par là, Sargent et Sorolla parviennent à organiser ce point de rencontre fondamental et mystérieux entre le spectre de couleur de la peinture et celui de la lumière, opérant une formidable avancée dans la compréhension même du "voir" et du "rendre" qui contribue à faire de cette union une dynamique en mouvement, à l’image de cette nature qui leur sert de modèle, à l’image de cette vie qui les déborde.