INTERVIEW DE JOHAN CRETEN La flamme de l'art

A l'honneur tout au long de l'été, Johan Creten déploie ses sculptures hybrides et organiques au musée de la Chasse et de la Nature, entre animaux empaillés et tableaux des siècles passés. L'occasion pour lui de revenir sur l'origine de sa création.

Johan Creten, sculpteur belge, remet au goût du jour une pratique ancestrale et singulière, presque anachronique dans le paysage de l'art contemporain : l'art du feu qu'est la céramique et dont il explore toutes les possibilités. A la Manufacture de Sèvres, qui l'a accueilli en résidence pendant trois ans, il a ainsi demandé à refabriquer le grès, et à employer la technique, tombée en désuétude, de la cuisson au bois. C'est in situ, au coeur du musée de la Chasse et de la Nature, dans la salle du Cerf, que nous a reçus Johan Creten, pour un entretien où se fait jour la profondeur de son investissement dans le processus de création.

Vous avez beaucoup voyagé avant d'arriver à Sèvres. Cette exposition à Paris marque-t-elle un tournant dans votre création ?

Oui, avant Sèvres, j'ai été à Oakland, à côté de San Francisco, puis j'ai travaillé pendant trois ans à Miami. J'ai également vécu dans le nord du Mexique, ainsi qu'à la Villa Médicis à Rome ; je me suis aussi rendu à Nice et à Amsterdam. Une histoire accompagne chacun de ces voyages qui se sont produits soit dans un cadre officiel, comme pour la Villa Médicis, soit au travers de rencontres. C'est par l'intermédiaire d'une jeune fille de la galerie où j'exposais à New York que je suis parti au Mexique travailler sur une série d'oeuvres ; j'y suis resté sept mois, et dix ans plus tard, une oeuvre que j'ai commencée là-bas, 'Why Does Strange Fruit Always Look So Sweet ?', se retrouve au musée de la Chasse, dans la cour... Ces moments géographiques rythment mon parcours. Là encore, c'est un moment important, puisqu'il s'agit de l'exposition qui boucle la période des trois années de travail à Sèvres.

Votre principale inspiration est la mythologie ; vous vous inscrivez aussi dans l'héritage de la Renaissance, de Palissy à Arcimboldo...

Oui j'ai pour sujet Omphale, Narcisse, ou encore le cheval de Troie, bien que mes sculptures deviennent de plus en plus abstraites. Ce qui m'intéresse c'est la métamorphose, la transformation, comment la même entité passe de victime à bourreau ; c'est cette notion de lutte et de fusion au sein même de la nature, l'idée qu'on se "bouffe" soi-même – le côté animal de l'être, le Pan ou le Marsyas en chacun des vivants. Je m'intéresse aussi en effet à la Renaissance, au maniérisme, et à la limite, au baroque. J'ai travaillé sur Arcimboldo à la villa Arson, il joue avec le décalage entre ce qu'on voit et ce qui se cache, le secret. Comme dans les grottes italiennes de la Renaissance, qui élaborent des hybridations entre les éléments, du monde aquatique au monde de la terre.

Dans ces grottes, les sculptures jouent plutôt sur l'idée de la nature comme puissance ; considérez-vous la nature comme force ou en révélez-vous la fragilité ?

Odore di Femmina de Sèvres (Détail), 2006 (c) Jonca à la Manufacture de Sèvres, André Morin – DR Il y a toujours les deux dimensions. La terre cuite, la matière de la femme fleurs d''Odore di femmina' dit "Ne me touchez pas, je suis fragile, si vous me touchez vous me détruisez, je n'existerai plus." En même temps, elle est imposante, les fleurs sont tranchantes, les personnes qui transportent ces sculptures se blessent souvent : la nature est beaucoup plus forte. On en revient à Pan et Marsyas, cette force brute de la nature, profondément ambivalente, comme le grand personnage de 'Why Does Strange Fruit Seem So Sweet ?' : nous sommes tous des fruits qui se donnent, qui pourrissent et qui forment la terre dans laquelle autre chose poussera après nous. Mais cette sculpture représente aussi le grand bonhomme sauvage de la forêt, ou la déesse aux seins multiples.

Votre travail développe en effet une dimension de sacré.

Il ne faut pas oublier qu'à côté de toutes ces interprétations, ces raisonnements théoriques où l'on met des mots sur les choses, quand on fait une sculpture, on doit trouver une émotion. Ces sculptures ont un côté magique, dû à la présence du feu aussi ; ce côté sacré, on ne l'a pas avec la résine, et on l'obtient rarement même en peinture. Il y a une dimension magique aussi dans ces différentes matières, comme dans le 'Narcisse Saved', la neige, l'eau, la peau rugueuse des tentacules, le sang qui coule comme depuis l'intérieur, à l'opposé de l'idée de pétrifié ; on peut alors espérer que Narcisse se détourne de son côté narcissique, et se sauve… Je me raconte peut-être des histoires à moi-même, peu importe. Ce moment où le feu et la matière, la forme, la tactilité de l'oeuvre se retrouvent, c'est ce que je recherche, et ça arrive très rarement.

Les sculptures, et les différentes matières obtenues, sont-elles préméditées ?

En partie. Je pense que c'est une question de dosage, comme pour le bon cuisinier qui prend du sel et n'a pas besoin de le mesurer. Instinctivement, on sent qu'il y a un moment où le petit miracle est possible… C'est une vision romantique du métier.