RETROSPECTIVE KEITH HARING AU MUSEE D'ART CONTEMPORAIN DE LYON Poésie urbaine

Depuis le 22 février, le musée d'Art contemporain de Lyon rend hommage à Keith Haring à travers une magnifique exposition sur trois niveaux. Singulier, engagé, libre, l'artiste, mort précocement à l'âge de 31 ans, laisse derrière lui une oeuvre colossale et éclectique. Portrait d'un geste simple mais certain.

"Je crois vraiment que ça va venir – que je vais être reconnu. Ca arrivera quand je ne serai plus là et ne pourrai plus en profiter". Paroles prémonitoires, d'un artiste atypique pour qui la reconnaissance du public restera la chose la plus indispensable, à mille lieues des courbettes de salons, des fluctuations du marché de l'art ou des repères figés de l'académisme. Loin de s'entendre avec les tendances ou de se river aux modes éphémères, le musée d'Art contemporain respecte l'artiste et propose une rétrospective simple, épurée, exaltant les oeuvres et relatant avec pertinence les spécificités formelles et sémantiques de Keith Haring. Trois niveaux, donc, sans parcours chronologique ni contrainte thématique car l'artiste new-yorkais, originaire de la conservatrice Pennsylvanie, possédait la capacité de transmettre, de communiquer et d'altérer instantanément les sens, les émotions et le jugement. L'occasion de plonger dans le New York des années 80 entre persistance de la contre-culture et genèse du milieu hip-hop…

L'infinité des supports

Elinor Vernhes, Keith Haring Artwork (c) Estate of Keith Haring Bien qu'il en ait eu un, Keith Haring est l'archétype de l'artiste sans atelier. Plus précisément, son lieu de création se limite à l'espace gigantesque du monde, c'est-à-dire à la multitude des supports et des matériaux que lui offre, initialement, une ville aussi grande et éclectique que New York - plus tard, de nombreuses capitales tels que Tokyo, Paris ou Berlin. L'occasion d'inscrire dès l'origine une volonté farouche de démocratiser l'accès à son travail, de briser les frontières entre élitisme et populaire, de tester et d'appréhender son imaginaire intense. Palissades en bois, en métal, dont l'exposition présente un modèle saisissant, bennes à ordures, murs de salles de jeux, fresques à l'hôpital Necker, objets insolites - une BMW entièrement griffonnée, visible également - jusqu'au corps humain 'Body Painting' avec la complicité de Grace Jones en 1984 ; acrylique, encre, feutre, peinture en bombe ou vinylique, en fonction du support à dessiner ou à peindre, donneront naissance à une foisonnante poésie urbaine.

Les influences : entre tradition et modernité

Doit-on cet amour et cette consécration insatiables de l'espace urbain à la proximité avec l'effervescence, entre Brooklyn et Harlem, d'une culture originale faite de danse (smurf), musique (rap) et surtout dessins singuliers (tags et graffitis), dont la rétrospective rend compte à travers un certain nombre de photos et projections ? Probablement. Keith Haring reconnaissait d'ailleurs que "les graffitis étaient la chose la plus merveilleuse qu'il n'avait jamais vue". Pourtant, son "tag" (signature) n'a jamais été l'expression d'une revendication égocentrique ni un désir de transgression, au contraire du mouvement hip-hop.
Il profitera également de l'influence d'une tradition sulfureuse, la fameuse "Beat génération", contre-culture des années 50, avec en tête l'irrévérencieux Burroughs - dont on pourra voir quelques réalisations effectuées en collaboration avec Keith pour l'illustration d''Apocalypse' - et le plus récent mouvement underground représenté, à cette période, par Madonna, Lou Reed en passant par Patti Smith, Dennis Hopper, Basquiat et surtout Andy Warhol ('Portrait d'A.W') - qu'il fréquentera entre autres au sein du fameux Club 57, boite gay génératrice de performances, concerts, drogues, spectacles, lectures, etc.

A s'investir dans le moment intense et englobant de la modernité, Keith Haring aurait fait, selon certains, l'impasse sur un héritage plus traditionnel, plus spécifique au monde de l'art. Jugement totalement injustifié puisque, contrairement aux discours épurés et simples de ces symboles et de ses toiles, le père du 'Bébé radiant' avait une connaissance impressionnante de la culture classique. Elève de la School of Visual Arts, Keith Haring a tôt fait d'assimiler les travaux de ses glorieux aînés, Dubuffet, Paul Klee, Picasso, Pollock ou Matisse. En sachant que la rencontre avec les oeuvres d'Alechinsky sera le véritable détonateur de ses certitudes artistiques, il ne cessera jamais de rendre hommage à ses pairs et de s'en inspirer. Pour exemple, l'hommage au même Basquiat 'A Pile of Crows for J-M.B.' ou une toile de plus de 11 mètres proche du 'Guernica' de Picasso. On notera également l'influence de l'art premier avec le 'Tongue Man' et 'Egg Head for Picasso'.

Une esthétique des signes

On a souvent reproché à Keith Haring, la portée sémiologique de son travail. Entre signifiants propres à la communication (publicité) et un langage visuel singulier, pénétrer son univers, c'est apprendre un nouveau moyen d'expression, une nouvelle langue. Les organisateurs de l'exposition ont eu l'intelligence de commencer par montrer qu'il existe, en effet, un certain nombre d'idiomes, de symboles simples et dénotés, définis dès 1980 sous forme de dessins : la soucoupe volante représente un pouvoir important, Mickey Mouse la culture populaire, les bâtons, des instruments de pouvoir, la croix, rouge pour la mort, verte pour la vie, etc. Le 'Bébé radiant', signature, puis logo, est avant tout un référent essentiel d'un élan vital, énergie teintée de joie et de pureté enfantine.
Malgré tout, cette singularité est moins là pour troubler les repères que pour rassembler autour d'un mouvement collectif. Car, dans cet univers, l'artiste et le spectateur ont des rôles respectifs qui se chevauchent et s'entrecroisent. Le spectateur peut lui-même assigner un sens à un tableau, il peut interpréter à sa manière à la fois l'iconographie et les significations que l'artiste a données à son oeuvre. Et, la simplicité des formes et des couleurs, la reconnaissance immédiate des signifiés de ses symboles universalisent le contenu et les préoccupations propres à l'artiste. La plupart des oeuvres sont ainsi précisément intitulées 'Untitled' débarrassant l'iconographie de ses restrictions sémantiques et émancipant celui qui regarde d'une objectivité contraignante.