INTERVIEW DE MATALI CRASSET Le design, matière extensible

A l'affiche de 'Paris / Design en mutation', scénographe du Salon d'art contemporain de Montrouge, designer au sein du collectif Moustache, présente à la 'Force de l'art' pour les éditions Bookstorming, Matali Crasset et sa petite entreprise mènent de front une foule de projets.

Si Matali Crasset est partout, ce n'est pas seulement parce qu'elle est une star du design, mais aussi parce que le design est partout. Les beaux et coûteux objets que l'on voit dans les pages des magazines ne sont que l'une des nombreuses formes que peut prendre cette discipline multifonctions. A l'heure où une révolution de nos modes de vie se profile, le caractère polymorphe du design s'apprête à nous le rendre beaucoup plus familier. Car au-delà de l'esthétique, le design se pense sous forme de concept, et dès lors, s'infiltre dans tous les domaines. De la quasi oeuvre d'art à l'architecture en passant par le conte philosophique, présentation d'une matière ultra-extensible et de l'une de ses grandes figures, tout aussi pleine de ressources.

L'exposition 'Paris / Design en mutation' présente du design prospectif, c'est-à-dire des prototypes futuristes qui repensent notre relation à l'habitat. Dans ce cas-là, vos créations tiennent-elles plutôt de la recherche ?

Quand Jim monte à Paris, Matali Crasset, (c) Matali CrassetContrairement au design industriel, où tout doit être maîtrisé, ici ce sont plutôt des hypothèses. Je visualise celles-ci, puis j'observe la réaction, est-ce que cela fait sens ? Est-ce poétique ? Cela donne une sorte de petite fiction qui permet d'aborder l'avenir dont les gens ont très peur. Etre confronté à d'autres façons de faire, d'autres futurs, c'est l'occasion de se préparer et je pense que les designers peuvent le faire assez facilement. Ce qui est intéressant dans 'Paris / Design en mutation', comparé à d'autres expositions sur le design, c'est qu'on voit vraiment qu'il y a une pensée qui se développe dans les projets. On ne la perçoit pas tout de suite parce que justement, nous ne restons pas sur l'enveloppe esthétique, même si on a bien sûr un jugement sur ce plan. Ce sont les notions que la forme sous-tend, les courants émergents mis en scène qui importent. Je crois que s'il y a une seule particularité dans le design français, ce serait le fait qu'il y ait des courants de penseurs. Cela va plus loin que de faire un ultime objet, il y a cette idée de mettre en relation une pensée, et la concrétisation de cette pensée.

Ces projets ne sont donc pas destinés à être commercialisés ?

On peut les produire en série, mais ce n'est pas le but, ça reste une hypothèse. C'est un peu comme si on achetait un prototype, comme un musicien vendrait une composition pilote, une maquette. Pourquoi pas ? Il y a eu un problème dans la confusion entre l'art et le design. Présenter des meubles de facture industrielle avec des coûts énormes dans les musées, pour moi c'est une aberration qui entretient cette confusion. Dans mes projets, la table et le lustre appartiennent à un collectionneur, ils ont été achetés lors de l'exposition à Londres et la lampe appartient à la galerie Rabih Hage. Mais à partir du moment où on fait des expériences, de la prospective, qu'on met les projets dans une galerie dédiée au design, alors faire ce projet-là en petite série ne pose pas de problème puisque ce n'est pas de l'industriel, mais plutôt un essai pour faire ressortir des choses plus sensibles… Des projets comme le Hi-Hotel, un hôtel expérimental situé à Nice, servent aussi à montrer aux gens comme le design peut être diversifié.

Mais le fait d'exposer dans des galeries d'art, pour un designer, est-ce que cela ne brouille pas les pistes ?

Mon corps de métier c'est designer industriel. Je pense que c'est une bonne base pour ouvrir ensuite les limites. Cela n'empêche pas d'exposer dans des galeries d'art, de participer à une émission de radio, de faire un clip, de toucher aux images animées. Je pars du principe que j'ai une sorte de matière, comme une image de la créativité, dont je nourris mes approches pour un projet, quel qu'il soit. Je peux concrétiser cette matière dans un projet à l'instant T et dans un contexte donné. C'est pourquoi je fais aussi des expositions dans des galeries d'art : je vais prendre cette même matière mais je vais la concrétiser complètement différemment, sous forme de petites séries. Cela peut être l'occasion de travailler avec des petits artisans, pour des savoir-faire que je n'ai pas en interne ou que je n'aurais pas les moyens de payer dans un processus industriel, où l'on doit avoir un coût très maîtrisé. En fait il n'y a pas de limites, sauf celles imposées par les partenaires, car c'est aussi un travail d'équipe.

Comment est venu cet intérêt pour la recherche dans votre parcours ?

Après mon diplôme de designer industriel, j'ai rejoint le designer Isogawa Akira. C'est une étape importante parce que c'est quelqu'un de très humain qui m'a donné confiance en mes idées, et m'a montré qu'il était possible d'être designer et d'avoir des intentions fortes. Si tant est qu'on ait une petite structure. A Paris, j'ai travaillé cinq ans avec Philippe Starck dont quatre chez Thomson, où il était directeur artistique. Puis je deviens responsable de la structure du Tim Thom. La beauté de cette expérience résidait dans la fragilité de la création : à chaque fois qu'un nouveau jeune arrivait, il fallait veiller à rééquilibrer le groupe, face à des designers ayant dix ans d'expérience, et faire en sorte qu'ils puissent bien travailler ensemble. J'ai ensuite créé ma propre structure qui me permet de mener beaucoup de projets. Le design reste de l'analyse. On parle beaucoup d'idées, mais c'est surtout de la méthodologie, de l'organisation, un système de pensée.