POP ART PORTRAITS A LA NATIONAL PORTRAIT GALLERY 5 questions pop, 3 portraits

Pas de pitié pour les objets. De Rauschenberg à Warhol, en passant par Richard Hamilton ou Allen Jones, ils ont fait rimer société de consommation et sublimation. Avec ‘Pop Art Portraits’, la National Portrait Gallery révèle le talent de ces esprits malins bien au-delà des portes du supermarché.

Une chose est sûre, si les hommes préfèrent les blondes aux boîtes de conserve Campbell’s - Miss Monroe en tête -, depuis 50 ans, les objets ont la cote auprès des experts du pop art. Et pourquoi pas le portrait ? Trois gentlemen pour cinq questions ; Peter Blake et Colin Self, artistes mythiques, ainsi que Paul Moorhouse, conservateur du département XXe siècle à la National Portrait Gallery et commissaire de l’exposition, nous ont fait l’honneur de retracer cette é-Pop-ée. “Allons donc à London”, puisque c’est Petula qui le dit.

En tant que protagonistes et théoricien du mouvement, pourriez-vous nous faire partager votre vision personnelle du pop art ?

Peter Blake devant son oeuvre ‘Got a Girl’ (c) Caroline Bousbib / DACS, London Paul Moorhouse : Nous parlons d’un courant qui a pris sa source à New York et à Londres dans les années 50, sondant le basculement des conditions de vie induites par la société de consommation moderne, une authentique réplique à la culture d’abondance. Or, dans tout ce qui a trait à cette période, je me suis rendu compte qu’on continuait d’aborder le pop art comme une forme de nature morte. A ce titre, David Sylvester, un critique, a fait remarquer que dans les oeuvres pop, on aperçoit rarement des gens conduire une voiture, mais seulement la voiture, pas plus qu’on ne voit des gens boire une bière, seule la cannette de bière a son importance. Or, cette approche ne me paraît pas tout à fait juste. Quand on prend certaines toiles d’Andy Warhol par exemple, ne s’agit-il pas des gens ? Et, à juste titre, le pop art a su capter les changements sociaux, c’est mon opinion et peut-être une nouvelle conception en la matière.

Peter Blake : Dans mes réalisations, j’ai toujours cherché à cerner le pop art comme traduction littérale de la musique pop. On avait d’un côté les classiques : les Beethoven, les Mozart ; et de l’autre il y avait les Beatles, les Rolling Stones et compagnie. En cela c’était un véritable progrès. C’est pourquoi lorsque je peignais des toiles à l’instar de ‘Got a Girl’ (1960-61), je traitais mon sujet en totale corrélation avec la musique pop.

Colin Self : La prudence s’impose quand on doit avancer une définition. D’un certain point de vue, il est évident que tous les artistes traitent des objets du quotidien. Le pop art est une manifestation de cette même idée, pleine de naïveté et d’une honnête simplicité. Inutile de rentrer dans des débats trop intellectuels pour comprendre cela.

Dans une vague ayant principalement trait à l’objet dans la société de consommation, dans quelle mesure le portrait avait-il un rôle à jouer ?

Ray Johnson, Oedipus (Elvis#1), 1956-57 (c) The Estate of Ray Johnson at Richard L.Feigen & Co Peter Blake : En plus d’être un artiste pop, je n’ai jamais cessé d’être un peintre de portraits figuratifs on ne peut plus classiques. D’ailleurs, j’en peins encore et l’ai toujours fait. Tous ces portraits que j’ai pu exécuter cohabitent très bien ensemble.

Colin Self : Je pense que peindre un sujet est un moyen de se l’approprier. Le restituer, c’est le posséder, comme toujours avec la peinture. Pour ma part, je voulais m’approprier des images découpées dans des journaux en les décryptant, les reproduisant, me conformant aux mêmes techniques qui avaient servi à les créer. J’allais jusqu’à imiter la trame produite par l’impression, dans la mesure où les premières images qui avaient retenu mon attention n’étaient autre que des clichés de presse. A l’époque, les méthodes d’impression ne permettaient pas d’utiliser beaucoup de couleurs. Aussi, l’une de mes premières toiles représentait Brigitte Bardot en noir et blanc avec un cercle, tout simplement parce que l’image dont je m’étais inspirée provenait d’un journal en noir et blanc, affichant en gros titre “Star et femme de Jean-Luc Godard”. Je partais du principe qu’il fallait mettre en valeur l’image pour la préserver, de telle sorte qu’elle ne soit plus la propriété du journal qui l’édite. Ces images avaient l’air tellement parfaites pour moi qui n’aimais pas la réalité !

Paul Moorhouse : Il faut partir du constat qu’il est impossible d’évoquer des changements sociaux en se référant seulement aux objets. Il doit y avoir pour cela une interaction entre les objets et les gens. On doit prendre en compte l’impact de la culture de masse sur les individus, c’est là que l’être humain a un rôle à jouer. Voici la pièce manquante du puzzle : l’histoire du pop art ne peut se passer de la relation à l’individu.

Selon vous, quelle différence y a-t-il entre le pop art anglais et le pop art made in USA ?

Colin Self devant l’oeuvre de Rauschenberg ‘Express’ (c) Caroline Bousbib/DACS, London/VAGA, New York Peter Blake : C’est une question compliquée. Je dirais que la clé du pop art britannique est la célébration, tandis que le pop art américain est cynique.

Colin Self : Le pop art anglais repose sur le fantasme d’abondance après avoir payé un lourd tribut pendant la Seconde Guerre mondiale. On doit également lui reconnaître un sens de la critique tout en étant optimiste, à quelques exceptions près. Le pop art américain est quant à lui satyrique et plus détaché, sachant que la pénurie n’a jamais vraiment été un sujet d’inquiétude. Les artistes américains pouvaient probablement se permettre de traiter le sujet avec plus de distance, et d’une manière plus dure.

Paul Moorhouse : Il y a des similitudes entre le pop art américain et britannique. Les deux sont apparus grosso modo au même moment et concernent la culture de consommation. Mais nous pouvons aussi trouver un certain nombre de différences. A Londres en 1952, le rationnement est toujours d’actualité. Le climat général est austère : pas de voitures dans les rues - du moins pas beaucoup -, pas de télévision, pas de biens de consommation courants, peu de vêtements disponibles. On a vraiment affaire à une conjoncture d’après-guerre, le pays cherche à se remettre sur pieds. Aux Etats-Unis, les circonstances sont tout autres : la culture de consommation existait bien avant le conflit mondial et n’a pas vraiment eu de mal à repartir de plus belle après 1945. Il existe de nombreuses chaînes de télévision, des classements aux charts, des supermarchés et des biens de consommation à profusion. A distance, les Anglais se tenaient au courant en lisant les journaux, regardaient toute cette richesse avec envie et priaient pour que la situation s’arrange. A la fin de la décennie, vers 1959, le changement se fait enfin sentir avec l’accès aux produits importés. Mais quand le pop art voit le jour au début des années 50, l’écart des contextes peut expliquer les différences stylistiques.

Auriez-vous une petite anecdote à nous raconter qui résume bien ces “swinging years” ?

Richard Hamilton, Swingeing London 67 (a), 1968-69 (c) Richard Hamilton Peter Blake : Quelque part j’étais un peu voyeur car je ne faisais pas trop de folies alors que les autres prenaient des tas de drogues. Alors j’ai pu tout observer objectivement, et objectivement, c’était une période fascinante. Toute cette génération de jeunes gens qui avaient connu la guerre saisissait l’opportunité d’intégrer des universités, des écoles d’art, comme cela a été le cas pour moi. Cela n’aurait jamais pu se passer ainsi avant la guerre, le poids social était trop important. Soudain, on se mettait à peindre, à photographier, à jouer la comédie en toute liberté. Rien de moins étonnant que cette nouvelle génération si différente ait ouvert une porte vers laquelle s’est engouffrée la culture des années 60.

Paul Moorhouse : J’aimerais rappeler cette fameuse affaire avec Mick Jagger, au coeur du portrait de Richard Hamilton intitulé ‘Swingeing London 67’ (1968-69). On y voit cette figure extrêmement populaire qu’est Jagger sur la banquette arrière d’une voiture de police, suite à son arrestation pour détention de cannabis. Le chanteur est menotté à Robert Fraser, illustre marchand d’art. La célébrité est ici abordée comme quelque chose de violent : elle ne concède aucune indulgence. En voulant appliquer une sentence exemplaire, le juge avait lourdement condamné Jagger pour le crime qu’il avait commis : on assistait au procès de la célébrité en général. Cette scène est un moment décisif, celui où le “Swinging London” devient le “Swingeing London” (écrasant), le temps de l’innocence est révolu, le froid s’installe.

Colin Self : Après la parenthèse répressive des années 50, nous avons vécu une prétendue liberté due à l’amélioration des conditions de vie et de l’économie, de la découverte des drogues, alors... Je vais vous raconter une histoire qui, à mon sens, reflète bien cette relation aux images un peu hystérique dans cette nouvelle société. Dans la rue, une femme promenait son bébé en poussette. Un passant lui dit : “Quel joli bébé !” et la femme de répondre : “C’est vrai, si seulement vous pouviez voir sa photo !”. C’est fou mais c’est vrai, rien de tel qu’une photographie : elle ne fait pas de cochonneries, elle ne crie pas, elle ne sent pas. Et en plus elle se conserve plus longtemps que le corps humain, la perfection.

Cette exposition vous rend-elle nostalgique ?

Andy Warhol, détail de Marilyn Diptych, 1962 (c) Licensed by the Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc/ ARS, New York and DACS, London Colin Self : Non. Elle me plaît bien et me fait réaliser que j’ai eu de la chance d’être au bon endroit au bon moment. En fin de compte, tout n’est qu’une question de timing. Dans la vie, il est inutile de produire des choses à un moment qui ne veut pas les accueillir. Mais pour nous, c’était le bon moment, tout était en marche dans un processus politique et sociologique.

Peter Blake : Pas plus nostalgique que d’habitude car demain je serai de retour dans mon atelier, m’attelant à faire ce que je dois faire pour m’inscrire dans le futur. Bon, on peut quand même dire que je suis un tout petit peu nostalgique, mais pas fondamentalement.

Paul Moorhouse : Je suis irrémédiablement frappé par la fraîcheur de cette vague pop. Encore aujourd’hui, cela me semble être un geste extraordinairement contestataire d’inscrire une bande dessinée dans un cadre classique de beaux-arts. Et c’est sans âge. Aussi lorsqu’on s’en réfère par exemple aux nombreuses oeuvres autour de la figure de Marilyn Monroe, le propos investit pleinement ce que j’expliquais plus haut, à savoir les conséquences de la célébrité. Quand on voit la manière dont les médias se sont emparés de la mort de la Princesse Diana, on saisit l’envergure destructive résultant d’une popularité trop excessive. Alors pour ce qui est de la nostalgie, cette exposition démontre à quel point rien n’a changé.