HOMMAGE A ANDY WARHOL Le pop art incarné

Figure emblématique du pop art, Andy Warhol est décédé il y a vingt ans au New York Hospital. Un musée éponyme abrite depuis 1989 à Pittsburg, ville où il a grandi, la plus importante collection de ses réalisations. Une oeuvre et un personnage qui se confondent et se reflètent dans leur caractère omniprésent et incontournable.

Deux oeuvres font vraisemblablement se rejoindre le centre Pompidou et le musée du Louvre. Ce sont deux portraits au sourire discret et en réserve, portraits de femmes dont la bouche close ne laisse pas échapper le son de la voix du sujet représenté. On a pourtant beaucoup parlé d'elles. Pour l'une, des scientifiques japonais ont récemment reproduit sa voix. Pour l'autre, l'on dispose de ses films. Ce sont les deux "Liz" : Liz Taylor et Mona Lisa. Si la voix des femmes est un règne, tel que pourrait l'entendre Pascal Quignard, alors Andy Warhol et Léonard de Vinci pourraient bien être des rois devenus muets tant la popularité de leurs oeuvres semble presque avoir assombri leur propre voix, leur propre dessein artistique. Aux icônes qu'il a représentées, Jackie Kennedy, Marilyn Monroe, Liz Taylor, on a pu garder l'image d'Andy Warhol à la perruque peroxydée. Image microscopique. Il faut considérer ce propos, et pour bien le comprendre évoquer le contexte de l'après-guerre dans lequel va s'inscrire Warhol : "Si vous voulez tout savoir sur Andy Warhol, il vous suffit de regarder la surface de mes peintures, de mes films, de moi-même. Me voilà. Il n'y a rien derrière."

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Le contexte de l'après-guerre

"Je voudrais être une machine", "A l'avenir tout le monde sera célèbre pendant quinze minutes", derrière les bons mots, ou les phrases colportables à loisir, se cache un artiste de l'exigence. Au début des années 1960 jusqu'à la fin des années 1980, à partir d'un scandale quasi permanent, Andy Warhol va faire sa révolution artistique. En 1950 il propose sa première exposition à New York, soit quinze dessins sur des textes de Truman Capote. Au cours de ces années, la société américaine va connaître un changement progressif et déterminant avec le rôle de l'industrialisation et du développement de la culture de masse. Changement radical qui va chez Warhol jusqu'à modifier un double rapport : celui à l'oeuvre, et celui à l'artiste. Un artiste qui n'est plus l'auteur de l'oeuvre de base mais qui va par l'intermédiaire des moyens de reproduction en série la modifier pour la faire sienne. Warhol explique ce mouvement : "Si je peins de cette façon, c'est parce que je veux être une machine, et je pense que tout ce que je fais comme une machine correspond à ce que je veux faire." C'est une situation de rupture qui marque ces années de l'après-guerre. Perry Anderson, dans 'Modernité et Révolution' analyse bien cette mutation où "l'ancien ordre semi-aristocratique ou agraire et ses corollaires ont disparu dans tous les pays. La démocratie bourgeoise s'est universalisée. Dès lors, certains liens décisifs avec un passé précapitalisé se trouvaient rompus. En même temps, le fordisme arrivait en force. La production en série et la consommation de masse transformaient les économies de l'Europe occidentale selon le modèle américain. On ne pouvait plus hésiter un instant sur le type de société que cette technologie allait renforcer : une civilisation capitaliste uniformément industrielle et d'une stabilité étouffante s'était installée."

Le pop art

Le terme de pop art est inventé à la fin des années 1950 par le critique d'art anglais Lawrence Alloway. En Angleterre, le pop art désigne à ce moment-là le travail d'un groupe d'artistes, et de façon presque similaire se développe aux Etats-Unis un courant moins fédéré puisque résultant d'initiatives individuelles. Toutefois, au-delà de la divergence structurelle, les deux courants se rejoignent au sens où l'appellation pop art signifie que l'art reprend à son compte l'univers visuel et la croyance qu'a la culture populaire dans les images. C'est d'une citation de cette culture dont il s'agit. De 1960 à 1970 ce mouvement ira en se diversifiant, prenant une envergure internationale.

Procédé sérigraphique et efficacité visuelle

Réalisée en 1963 'Ten Lizes' (201 x 564,5 cm, centre Pompidou, Paris) utilise la machine via le procédé sérigraphique. Sa grande efficacité visuelle résulte de l'absence de détails ; réduite à ses traits essentiels, elle bénéficie d'une immédiate lisibilité. Warhol reprend cette technique de l'industrie publicitaire pour apporter un traitement formel et sémiotique à une image dont la valeur de la reproduction n'est pas d'être assimilée à l'identique, il suffit de regarder les dix portraits de Liz Taylor pour bien s'apercevoir qu'aucun n'est véritablement ressemblant. Ici, huile et laque sont appliquées en sérigraphie sur la toile. Une plaque de verre ou bien de papier transparent sert alors de matrice, le premier tirage en résultant constitue l'original. Le critique d'art Marco Livingstone parle volontiers de "monotypes" pour ces réalisations. Un dessin au crayon (pouvant être aussi copié ou décalqué à partir d'une image prise sur une photographie) sur une feuille de papier résistante était collé sur une autre feuille. Les contours étaient ensuite en partie repassés à l'encre de chine. L'ensemble était replié, puis Warhol repassait à l'encre une autre partie des contours. Le procédé était répété jusqu'à ce que le dessin soit entièrement imprimé sur le papier absorbant. Ce processus indique un détachement affectif de l'artiste envers le modèle, c'est également à partir de là que Warhol va se diriger vers le cinéma : on y retrouve ici le procédé du photogramme.

La vie comme une oeuvre

Dans les années 1960 les premiers tableaux de Warhol font partie des premiers exemples du pop art américain. Personnage provocant et avançant masqué, fasciné par Hollywood, sa mode et son style, il prétend ne voir aucune différence entre un musée et un magasin à rayons. Brouillant la distinction entre l'art et la vie, il croit que l'art peut être la mode, la décoration, la politique. De son influence pour les "readymade" de Marcel Duchamp, et de ses emprunts à la culture populaire, naîtront les fameuses répliques de boîtes de supermarché en bois contreplaqué. Il systématisera après 1962 l'usage du procédé sérigraphique alors secondé par ses assistants au sein de son atelier, "The Factory", pouvant répondre à coup sûr à la demande de ses tableaux. Réalisateur de films, il sera producteur du Velvet Underground (1967), groupe de rock underground, il créera aussi en 1969 la revue Interview. Les images qu'il a produites sont le témoignage d'une époque résolument marquée par la commercialisation massive des produits et des images, elles signifient le passage d'un art de la reproduction à la reproduction comme art. Les symboles utilisés, bouteille de Coca-Cola ou billet de un dollar, indiquent la charge de la relation affective qui lie les individus à ces objets, ils pointent la réalité d'une démocratie, le mirage qui l'entoure : "Ce qu'il y a de formidable dans ce pays, écrit Andy Warhol, c'est que l'Amérique a créé une tradition où les plus riches consommateurs achètent la même chose que les plus pauvres. On peut regarder la télévision et voir Coca-Cola, et on peut savoir que le président boit du Coca, Liz Taylor boit du Coca, et pensez donc, soi-même, on peut boire du Coca. Aucune somme d'argent au monde ne peut procurer un meilleur Coca que celui du clochard au coin de la rue. Tous les Coca sont pareils, et tous les Coca sont bons. Liz Taylor le sait, le président le sait, le clochard le sait, et on le sait aussi." Warhol radicalisera le rapport à l'image dans les dix années qui précéderont son décès (le 22 février 1987), se tournant vers l'abstraction comme dans les 'Camouflage' (peintures réalisées à partir d'agrandissement et reproduction photographique du motif camouflage militaire), les 'Oxydation Painting' (réaction créée par l'urine sur des pigments de cuivre).

Cette expérimentation plus ou moins radicale de l'image aura coïncidé avec une imbrication signifiante de sa propre vie et de son oeuvre. Ce sont précisément ces dernières années, celles du scandale, qui révèlent avec acuité un Andy Warhol moins commercial, plus méconnu, dont l'expérimentation radicale de l'image non reconnue par la critique de l'époque, témoigne de la capacité de saisissement de son travail.