INTERVIEW DE THE BLACK KEYS Les mots blues

Pour leur huitième album, les très prolifiques Black Keys ont sorti le grand jeu. A la fois moderne et bourré de références, 'Brothers' est surtout incroyablement addictif. Rencontre avec le plus érudit des duos d'Akron, Ohio.

Difficile, en voyant les deux membres des Black Keys, d'imaginer que ces trentenaires à l'allure de geeks sont à l'origine du magistral 'Brothers', d'ores et déjà l'un des grands albums de l'année. Pourtant, voilà bientôt dix ans que Dan Auerbach et Patrick Carney, en disciples érudits et stakhanovistes de Howlin' Wolf, Muddy Waters ou John Lee Hooker, prêchent leur blues-rock cramé devant des fidèles toujours plus nombreux. Le tout sans avoir besoin de se déguiser en rouge et blanc. Leur précédent effort, 'Blakroc' (2009), les avait vus réaliser une incursion convaincante dans le rap aux côtés de plusieurs stars du genre (Mos Def, RZA, Ludacris…). Cette fois, les deux blancs-becs poursuivent leur exploration de la musique noire en instillant une bonne dose de soul dans leur cocktail à 90 degrés. Tout en adressant un haussement d'épaules goguenard à ceux qui les accusent de passéisme. Le blues est peut-être mort depuis belle lurette, mais les Black Keys n'ont pas l'air de s'en être aperçus. Tant mieux.

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Ce nouvel album arrive après plusieurs projets parallèles : un disque enregistré avec des stars du hip-hop, vos deux albums solo respectifs… Cela a-t-il influencé la conception de 'Brothers' ?

Dan Auerbach : Notre musique est forcément imprégnée de ce que nous faisons chaque jour. Mais c'est vrai que 'Blakroc', en particulier, a eu une grosse influence sur l'enregistrement.

Mais 'Blakroc' avait une production assez moderne, alors que 'Brothers' aurait quasiment pu être enregistré il y a trente ou quarante ans, tout comme vos premiers albums...

'Brothers', The Black Keys, (c) DRDA : Nous n'y avons pas vraiment réfléchi en le faisant. Certains nous ont dit que c'était un retour aux sources après l'expérience 'Blakroc', d'autres que le son était trop moderne et qu'ils préféraient nos débuts. Honnêtement, on s'en fiche. La question de la modernité de notre musique ne nous intéresse pas vraiment. En fait, pendant l'enregistrement, nous n'avons écouté que du hip-hop. C'est de là qu'est venue notre inspiration, on a même carrément pompé certains morceaux. (rires)

Patrick Carney : On a toujours adoré le hip-hop. C'est l'une des raisons pour lesquelles on a fondé un groupe ensemble : on était tous les deux fans des productions de RZA, 'Enter the Wu-Tang (36 Chambers)', 'Liquid Sword'… Ce son brut, basique, on voulait le retrouver pour nos disques.

Vous avez un peu levé le pied sur le nouvel album : des tempos plus lents, une ambiance très mélancolique, davantage de ballades… C'est l'âge ?

DA : Il y a quand même des morceaux comme 'Howlin' for You' ou 'She's Long Gone' qui restent assez violents.

PC : C'est vrai qu'il y a plus de chansons calmes que d'habitude. C'est lié aux conditions d'enregistrement. On a fait ce disque en deux semaines dans un trou paumé au milieu de l'Alabama, il n'y avait absolument rien à des kilomètres à la ronde. Si on l'avait enregistré aux Bahamas, il aurait probablement été différent. En fait, on pourrait faire un disque toutes les semaines, ils seraient tous différents.

DA : On fonctionne beaucoup en fonction de notre environnement, de notre humeur du moment. Nos disques sont un peu la bande-son de nos vies. Une chanson comme 'Too Afraid to Love You', par exemple, reflète exactement notre état d'esprit au moment où nous l'avons enregistrée.

Il y a peu, vous avez déclaré : "Tout disque de blues ou de rock'n'roll postérieur à 1972 me donne la nausée." Vous le pensez vraiment ?

The Black Keys, (c) DRDA : Bien sûr ! Mais ce n'est pas une question de chansons ou de musiciens, c'est à cause de la manière dont les disques ont été enregistrés à partir de 1973. La plupart des disques des années 1960 ou du début des années 1970 étaient cent fois meilleurs en terme de son : beaucoup de basse, un meilleur groove, davantage d'émotion dans le chant. Les disques de blues et de soul, en particulier, sont devenus mauvais quand on a commencé à séparer tous les instruments, à faire des overdubs. Résultat : ils sonnaient tous pareil, ils n'avaient plus d'âme.

PC : Après 1972, les musiciens ont eu la possibilité technologique d'enregistrer en 24 pistes. Ça a tout changé. L'idée de créer quelque chose de parfait était devenue techniquement réalisable, donc on s'est mis à gommer tout ce qui dépassait. Avant, tu avais juste quatre ou cinq mecs qui jouaient dans une pièce. Quand l'un d'eux merdait – ce qui arrive obligatoirement –, ça restait sur la bande, on ne pouvait pas faire de retouche.

DA : Du coup, il fallait être le meilleur possible dès la première prise, se concentrer au maximum sur son instrument. D'où ce feeling extraordinaire qui s'est perdu par la suite. Quand ils ont commencé à enregistrer en 24 pistes… ça a donné Steely Dan. L'ennui absolu ! (rires)

Mais à la fin des années 1970, il y a quand même eu le mouvement punk, qui s'est élevé contre ça...

DA : Oui, mais je parlais surtout des disques de blues, de soul et de rock'n'roll. Le punk, c'était différent. Un groupe comme les Clash, qui enregistrait de manière plutôt artisanale, était en fait très en avance sur son temps.

PC : Il ne faut pas oublier que les groupes punk étaient très minoritaires. A l'époque, les disques qui se vendaient le plus étaient les disques mainstream, avec un son bien propret, sans âme. C'est encore valable aujourd'hui, d'ailleurs. Cela dit, il y a encore beaucoup de groupes qui ont du goût et qui marchent : regarde Phoenix, par exemple.